Cominciamo dall'inizio. Da piccolo sogni di fare l'inventore, smonti gli oggetti di casa e giochi col Meccano. Nel 1990 la tua tesi di laurea Onda, paravento in cartone ondulato, diventa un vero e proprio caso di riciclaggio creativo che ti frutta i primi riconoscimenti della critica e della stampa. A questo punto entra in scena Enzo Mari che ti chiama a collaborare nel suo studio. Da allora numerosissime le mostre e i premi, tra cui le partecipazioni alle iniziative di Opos di Alberto Zanone. Oggi lavori in proprio nella tua regione, la Toscana. Sei tu che hai cercato il design o è il design che ha cercato te?
Penso che sia stato un incontro reciproco, di quelli che capitano perché così doveva essere. Tutto ciò che facevo per gioco da ragazzino assomigliava molto a quello che faccio oggi come mestiere. Non provengo da una famiglia molto agiata e quindi la mia inclinazione a inventare e costruire si è trasformata in una vera e propria necessità per avere a disposizione giochi e strumenti altrimenti irraggiungibili. Mi sono costruito da solo quasi tutto pur di riuscire a ottenere ciò che mi attraeva in quel momento. Però, prima di focalizzare che il design era la strada giusta, sono passato attraverso altre passioni molto forti come quella per la fotografia, fin da quando avevo tredici anni, quella per le imprese scientifiche e, più avanti, per l’arte. Ed è anche grazie alla passione per la fotografia che Enzo Mari mi prese a lavorare con lui, gli piacevano particolarmente delle foto che avevo scattato e sviluppato per una mostra durante l’ultimo anno di corso all’ISIA di Firenze. Nel suo studio ho passato un periodo relativamente breve ma molto intenso che mi ha lasciato gli insegnamenti più importanti e mi ha fatto capire il senso profondo e la responsabilità sociale di questo meraviglioso lavoro. Dopo questa esperienza sono ritornato in provinci a, dove i ritmi più lenti e più vicini alla mia natura mi consentono di esprimere pienamente i miei pensieri e le mie visioni.

Una delle principali differenze fra la nuova generazione di designer italiani e quella dei maestri consiste nel fatto che questi ultimi erano per la maggior parte architetti, mentre voi siete quasi tutti laureati in corsi universitari di design. Tu stesso ti sei formato all'ISIA di Firenze. Questo diverso background ha delle ricadute sul design di oggi?
Forse non è una questione di formazione, le differenze che sussistono tra il design contemporaneo e quello dei maestri secondo me derivano principalmente dal contesto storico in cui si sono trovate a operare queste due generazioni. La prima, in piena ricostruzione postbellica, in cui tutto andava rifondato e rinnovato con energia e positività. La seconda si trova a operare in una società opulenta, anche sotto il profilo dell′offerta di progetto. I designer della passata generazione erano poche decine, oggi sono un esercito a livello globale che deve misurarsi con tipologie sempre più inflazionate e quindi con margini progettuali sempre più ridotti. Credo sia per questo che i giovani progettisti si orientano così spesso sulla ricerca di tipologie inedite, dove la possibilità di imbattersi in copie involontarie risulta decisamente più contenuta rispetto a quella riscontrabile nelle tipologie classiche. A livello di qualità progettuale però non vedo differenze. Ci sono anche oggi oggetti di buon livello, che fanno emozionare come lo facevano quelli dei maestri. Penso che al design contemporaneo italiano non sia stato ancora riconosciuto il giusto valore che si merita e nonostante un tardivo e marginale riconoscimento in questi ultimi tempi credo siano ancora molti i pregiudizi da parte delle aziende e dei media nei confronti delle giovani generazioni di designer italiani.

Incontrando alcune delle tue idee come il coltello Pane e Salame (semplicemente geniale), le argute ciabattine Print, il tavolo-panca pieghevole in Coverflex Cabriolet per FontanaArte, la “miracolosa” ciotola in ceramica Una seconda vita, o Drinkable Watercard, la famosa cartolina postale con acqua potabile da spedire nelle zone difficili del mondo, si è portati a pensare, parafrasando un recente film, che ogni cosa è illuminata, o che almeno può esserlo. Quanto c′è di nuovo nell′oggetto riutilizzato e quanto di vecchio nell'oggetto-novità-a-tutti-i-costi?
Ogni oggetto è illuminato se la sua esistenza ha un senso, una ragione, se non nasce solo con lo scopo di alimentare in modo gratuito il mercato. Gli oggetti che hanno un senso sono la proiezione di ciò che noi ci aspettiamo dal futuro, devono esprimere una sincera e costruttiva volontà di cambiamento senza compromessi, non dovrebbero solo scimmiottarla con forme accattivanti e magari seguendo pedissequamente le tendenze del momento. Che poi sia un oggetto derivato dal riutilizzo o meno credo sia del tutto secondario, l’importante è la profondità del messaggio che esso ci può rivelare, anche attraverso la sua bellezza svincolata dai canoni diffusi, una bellezza che non è mai di superficie ma è sempre la nitida espressione dell’essenza delle cose.

L′incedere dell′anatra sull'acqua appare fluido e armonico perché al di sotto le zampe nuotano convulsamente. La semplicità è una conquista complessa…
La ricerca della semplicità è l’aspetto più emozionante di ogni progetto, ma anche il più difficile da raggiungere. Il più emozionante perché il percorso che si compie nel tentativo di ottenere la massima sintesi possibile ti porta inevitabilmente a confrontarti con i meccanismi della creazione divina e con la sua inarrivabile perfezione. Il più difficile perché la tensione all’assoluto richiede grande impegno, anche in ordine di tempo. Non conosco un oggetto che sia nato perfetto, quelli che più si avvicinano all’idea di perfezione solitamente sono oggetti che sono stati plasmati dal tempo come può essere un ago per cucire, una molletta, una puntina da disegno. Sono strumenti che hanno subito un’evoluzione quasi naturale e hanno raggiunto un elevatissimo grado di perfezione, molto vicino a quello che succede in natura, come per esempio nei sassi di fiume in cui la forma rappresenta la massima sintesi tra la forma di partenza e gli eventi subiti nel corso dei secoli. Ciò che si può fare per raggiungere dei risultati soddisfacenti nel progetto è avere degli alti ideali qualitativi di partenza e dedicare tutte le proprie energie per cercare di avvicinarsi il più possibile ad essi.

Nel tuo rapporto con le aziende quali sono state le esperienze più interessanti?
È difficile risponderti perché nel rapporto con le aziende non posso dire di avere ancora trovato la condizione che corrisponda alle mie aspettative. Ci sono state delle esperienze che si sono avvicinate, come potrebbe essere quella con la Zani&Zani dove le due visioni, quella del designer e dell’imprenditore, tendevano a coincidere e quindi anche i percorsi progettuali per la realizzazione di nuovi prodotti sono sempre stati lineari e spontanei. Un’altra esperienza molto positiva è stata con Droog Design, che non è una vera e propria azienda ma da alcuni mesi ha aperto il Droog-shop online in cui si vendono direttamente alcuni oggetti del loro catalogo tra cui anche il mio Mat-Walk. Con loro ho avuto una bella esperienza a livello umano e professionale e per questo non posso che essergli riconoscente. Quello che ora cerco quando inizio una nuova collaborazione è prima di tutto un buon equilibrio tra valori umani, visioni comuni, entusiasmo, rispetto reciproco e infine anche professionalità.

Italo Calvino diceva che per scrivere un articolo ci vuole un′ora, ma per saper scrivere un articolo occorre una vita di studi, riflessioni, occhi aperti. Anche i tuoi oggetti sembrano nati, più che da riflessioni ad hoc, da un′attitudine alla ricerca che si confonde con la vita stessa…
Sì, perché questo è uno di quei mestieri che si fa a tempo pieno, come l′artista o lo scrittore. Si è costantemente immersi in una realtà parallela in cui tutto è finalizzato alla ricerca che si sta compiendo in quel momento. Le idee non nascono mai per caso, gli devi preparare il terreno propizio per far sì che emergano, devi essere sempre pronto a cogliere il particolare risolutivo di un progetto in qualsiasi momento della giornata e in qualsiasi aspetto della vita quotidiana. Per aiutarmi in questo compito porto sempre con me una piccola macchina fotografica con la quale registro gli eventi e le cose che mi incuriosiscono o in cui intravedo delle potenzialità di evoluzione. Queste immagini vanno poi a formare un mio personale catalogo di emozioni dal quale poter attingere sempre nuovi stimoli e idee.

Gli oggetti intorno a noi sono come divieti o volani che materialmente impediscono o consentono di fare certe cose. Tuoi lavori come Finger Biscuit, la cialda a forma di ditale da “tocciare” nella Nutella, il metro di cioccolato Golosimetro o il tappeto da bagno con ciabatte incorporate Mat-Walk (primo progetto di un italiano per Droog Design) nascono ricalcando piccoli gesti di effrazione nei confronti del fantomatico “sistema” degli oggetti. C′entra il design con la libertà – e con il suo contrario?
Tendere a migliorare il presente è il senso di questo lavoro. Io cerco di farlo ponendomi sempre delle questioni da risolvere, banali o importanti che siano. Non ho un metodo che si adatta a tutto ciò che affronto, cerco invece di calarmi in ogni progetto con i pochi strumenti di base che ho per poi elaborare delle risposte che di volta in volta seguono delle logiche diverse. Così può succedere che a volte il mio linguaggio possa apparire contrastante o quantomeno poco chiaro. Nel caso del Finger Biscuit come pure di Mat-Walk ho cercato di “liberare” e rendere evidenti quelle abitudini che appartengono da sempre a tutti noi ma che difficilmente siamo portati a manifestare in pubblico perché considerate poco eleganti dalle convenzioni sociali. Mentre nel Golosimetro ho fatto l′operazione inversa, la voglia di cioccolato non viene assecondata e sostenuta dal progetto, viene piuttosto inibita, con l’intento di invitare alla ponderazione.

Oggi le tendenze nei consumi, nelle estetiche e nella produzione sono molte e molto spesso contraddittorie. Tuttavia, pur nella loro variegata complessità si possono ricondurre a due grandi macrotendenze che potremmo definire etico-sostenibile e creativo-sperimentale. La prima persegue i possibili sviluppi in chiave di buon senso e attenzione all'esistente, la seconda si tuffa con curiosità e a volte spregiudicatezza a sondare i futuri del design. Se dovessi collocarti nell'alveo dell′una o dell′altra, a quale di queste macrotendenze affideresti la tua ricerca progettuale?
Mi risulta difficile distinguere tra queste due definizioni, in linea di massima tendo a considerarle come un’unica necessità linguistica. Nell’affrontare ogni progetto, l’attenzione alla sostenibilità, la sperimentazione, l’invenzione, la ricerca estetica e funzionale, la tensione comunicativa e a volte la spregiudicatezza si fondono sempre, anche se in misura e con intensità ogni volta diverse. Come dicevo prima, il mio modo di procedere non segue una logica chiara e lineare, perciò è di difficile identificazione anche da parte mia. Diciamo che mi sento come un esploratore senza bagagli e con una piccola bussola in tasca pronta da usare, ma che poi preferisce sempre viaggiare a vista.

Le esperienze Design alla Coop, Salefino e più di recente la mostra in Triennale The New Italian Design. Il paesaggio mobile del nuovo design italiano sembrano convergere verso l′enucleazione di una nuova generazione di progettisti. Andrea Branzi si dice sicuro di questo, quando afferma che la partita del progetto si è riaperta e che la “società liquida” rappresenta per il designer un′occasione per inediti cimenti, a cominciare dalla ricomposizione – non della perduta, utopica unità di Forma e Funzione – ma delle forme e delle funzioni, dei significati e dei significanti, delle emozioni, dei gesti, dei frammenti del sentire…
Andrea Branzi ha fatto un ritratto obiettivo delle nuove generazioni di designer. Ha colto con chiarezza il tentativo di affrancarsi dalla pesante eredità lasciata dai maestri nonostante il grande rispetto che i giovani nutrono nei loro confronti. Non vengono traditi gli ideali di qualità degli anni d′oro del design, oggi c′è solo un forte bisogno di esprimerli con linguaggi inediti, che siano rappresentativi della contemporaneità e dei nuovi bisogni, materiali e non, che essa porta con se. Gli oggetti creati dalle nuove generazioni hanno più scale di lettura, svolgono egregiamente le funzioni per cui sono stati creati, ma sono portatori anche di altri valori più importanti. Sono dei messaggi in bottiglia che possono essere colti o no da chi li utilizza, concepiti con l′intenzione di comunicare all′utente finale un suggerimento, un ideale, un ammonimento o addirittura una posizione politica, che possano farlo riflettere, magari anche sulla possibilità di mettere in discussione il proprio stile di vita. Gli oggetti oggi hanno assunto maggiori responsabilità rispetto al passato, si sono gradualmente evoluti in strumenti etici, in piccoli cavalli di troia che cercano di insediarsi e di incidere tra le pieghe della nostra realtà sociale, economica e ambientale.

Come hai iniziato la tua carriera? Qual è stato il tuo percorso formativo e quando hai deciso di diventare un designer?
Come ti dicevo, ho sempre avuto una predilezione per le invenzioni ma più avanti anche per la scienza, per l’arte e per la fotografia. Così, dopo l’istituto d’Arte, ho frequentato l’Accademia di Belle Arti di Carrara, in cui ebbi la fortuna di avere come insegnanti di pittura Getulio Alviani e Luciano Fabro. Al terzo anno di corso, un mio caro amico mi disse che a Firenze c’ era una scuola di design che faceva per me e allora dopo qualche mese lasciai l’Accademia e mi iscrissi all’Isia di Firenze. Da subito mi sono innamorato di questo lavoro anche grazie all’energia di Paolo Bettini e in seguito, alla passione di Enzo Mari. Dopo il diploma, nel 1990, lo stesso Mari mi chiamò a lavorare nel suo studio a Milano dove rimasi per circa un anno e mezzo e poi ritornai in Toscana con una grande voglia di fare. Qui ho avviato il mio piccolo studio di progettazione.

Il tuo ultimo progetto è una ciotola di ceramica chiamata “Una seconda vita”, realizzata per la Biennale della ceramica di Albissola nel novembre 06 e poi è stata presentata anche alla Triennale di Milano durante il Salone. Di cosa si tratta?
E’ un progetto che mi ha fatto capire una volta di più che gli oggetti possono veicolare pensieri e indurre alla riflessione più di tante parole.
La ciotola in se è un semplice centrotavola a forma semisferica realizzata in ceramica non smaltata.
E’ caratterizzata da un tratteggio di piccoli fori passanti che oltre ad assumere una valenza decorativa, in caso di rottura accidentale, consente di recuperare alcune parti dell’oggetto. Il tratteggio infatti delinea una serie di forme ellittiche che in un eventuale incidente, potrebbero salvarsi e svincolarsi dal contesto acquisendo l’autonomia di piccole e originali ciotoline. Mi piace pensare che questo oggetto possa essere un sorta di ammonimento a non disfarsi delle cose con troppa facilità, nemmeno quando, apparentemente, sono solo dei cocci.

In questo momento su cosa stai lavorando?
Sono impegnato con un paio di workshop a inviti, uno organizzato dalla Fiat/Guzzini per il lancio della nuova Cinquecento, l’altro dalla Ice Cotton Zanone.
Devo poi mettere a punto una nuova lampada da comodino che è stata presentata da Luminara al Salone del Mobile che si è appena concluso.
C’è anche una serie di idee che mi piacerebbe riuscissero a concretizzarsi nei prossimi mesi con altre aziende di illuminazione, e un mio progetto personale che rimando sempre ma che vorrei portare a termine, che riguarda il marmo e la ceramica.

Enzo Mari e Bruno Munari li consideriamo come i nostri maestri di un certo tipo di design predicato dallo stesso Munari. Quella ricerca mirata a migliorare la vita delle persone e non influenzata da moda alcuna. I tuoi lavori sembrano avere la stessa onestà . Ti va di spendere due parole su questi personaggi e sulla loro visione del design?
Mari e Munari sono stati non a caso i due progettisti che hanno lavorato maggiormente con Bruno Danese e Jaqueline Vodoz, anch’essi persone con una sensibilità fuori dal comune.
Tutti loro ci hanno insegnato la cosa più importante per chi opera nell’ambito del design: il valore e la responsabilità  sociale degli oggetti quotidiani attraverso il loro significato. Munari con la sua visione pragmatica, sempre sperimentale e didattica, scevra da implicazioni politiche. Mari invece, partendo proprio dal suo credo politico per affrontare le sue ricerche. Il suo scopo da sempre è stato quello di scuotere le coscienze con l’intelligenza e la semplicità dirompente dei suoi progetti, come ad esempio il contenitore Java in cui inventa un nuovo, elementare concetto di cerniera proprio per evitare che per il suo montaggio ci fosse qualsiasi intervento manuale da parte dell’operaio. Una sorta di difesa della classe operaia attraverso il progetto.
Quando lavoravo da Mari, agli inizi stentavo a seguirlo nei suoi ragionamenti e a capire il perchè dei suoi sfoghi di rabbia. Poi col passare del tempo mi sono reso conto delle verità  assolute di cui era portatore e del prezzo che si deve pagare per cercare di difenderle.
Munari l’ho conosciuto nel 1990 quando mi recai nel suo studio per sottoporgli il mio progetto di diploma. Dopo avermi fatto le dovute critiche, dedicò il resto del pomeriggio a raccontarmi le sue parabole sul buon progetto e sul perchè del lavoro del designer.
Se oggi sono ancora qui a fare questo mestiere tra mille vicissitudini lo devo molto anche a quell’incontro e al suo contagioso entusiasmo.

A proposito del tuo metodo progettuale, come si sviluppa un tuo progetto? e come vive un designer le molteplici sfaccettature di questo mestiere? Vengono elogiati come “oggetti di design” - ma quali oggetti non lo sono? forse dovremmo parlare di buono e cattivo design - prodotti molto diversi fra loro per intenti e funzione. Alcuni designer si basano su uno stile personale trasmettendo il loro personale gusto nel progetto e caratterizzandoli al punto di essere riconoscibili. Paradossalmente questi designer acquistano più fama, diventano icone riconoscibili a differenza di coloro che focalizzano il loro lavoro nel realizzare un prodotto quanto più utile, funzionale, semplice e meno costoso possibile. Qual è il tuo punto di vista in merito?
Non penso di avere un metodo preciso nell’affrontare il progetto , credo piuttosto che ci sia tutta una serie di punti fermi e di riferimenti che non saprei elencare che variano e si mescolano a seconda dell’argomento che mi trovo a esplorare. Di solito parto da un concetto che scaturisce da riflessioni sul vivere quotidiano, da aspetti della vita che non condivido e che vorrei cambiare, o più spesso, da riflessioni di carattere etico o ambientale. Non sento la necessità di concepire un nuovo prodotto solo sistono designer come Karim Rashid che puntano tutto sulla comunicazione di un liguaggio fortemente riconoscibile. Un linguaggio grafico che si prolunga anche al mondo degli oggetti tridimensionali, ma che quasi mai rivela qualcosa in più della mera superficialità.
Esistono però anche figure che nonostante abbiano caratterizzato e reso riconoscibile il loro linguaggio progettuale, cercano anche di comunicare i propri ideali etici e le proprie visioni per cercare di lasciare una traccia sugli atteggiamenti delle persone. Mi viene in mente Jasper Morrison che ha fatto della ricerca della semplicità il suo personalissimo linguaggio progettuale. Un linguaggio talmente basico che, in un mondo così permeato dalla complessità, diventa quasi un manifesto politico.

Sbaglierei se dicessi che il tuo percorso nello sviluppo di un prodotto parta più da un’idea interessante che da una ricerca?
In effetti penso che una buona idea sia il fulcro di ogni buon progetto.
Ma difficilmente le buone idee nascono da sole, bisogna coltivarle con cura, preparare il terreno più adatto affinchè possano svilupparsi al meglio. Fare ricerca significa questo, creare le condizioni per far scaturire un’idea, indagare il quotidiano con la stessa attenzione che ha l’investigatore alle prese con un caso da risolvere.

Salefino. Un libro con Joe Velluto, una ricerca di “creativity & design”. Ci vuoi parlare di questo progetto?
Il libro nasce nel 2004 da un’idea dei Joe Velluto e dalla loro volontà  di dare spazio e voce a un certo modo di fare design in Italia. In questo progetto editoriale i Joe velluto oltre a mostrare i loro progetti, hanno coinvolto altri designer, Lorenzo Damiani, Giulio Iacchetti, Matteo Ragni e me. Salefino è un libro che parla di idee, idee di oggetti prima di tutto, ma anche idee di fotografia con le ricercate immagini realizzate da Matteo Sandi, ed infine di idee di grafica con elaborazioni degli stessi Joe Velluto.
La forza di questo libro sta proprio nella positiva sinergia che scaturisce da queste tre componenti.

“biscotto da dito” è un progetto che fa sorridere e sognare, raccoglie una debolezza comune e la sviluppa dando vita a un prodotto che tutti vorremmo. Com’è nato il progetto e soprattutto, è buono?
È nato nel 2004 per partecipare alla mostra “papillan” a Bolzano. Si trattava di pensare a nuovi concetti di biscotto. E’ stato sufficiente osservare il mio nipotino mentre affondava il dito nel barattolo della nutella per avere l’idea di un biscotto che seguisse quel naturale quanto popolarissimo gesto.
Il biscotto, se verrà prodotto, sarà realizzato in cialda e penso che sarà molto buono.

“Tappetino da bagno” (Mat Walk) è un altro prodotto che risolve una situazione comune nella nostra vita quotidiana...
Nel 2001, Gijs Bakker di Droog Design mi chiamò per chiedermi di partecipare alla mostra “Hotel Droog” che si tenne l’anno successivo a Milano. Fu in quella occasione che nacque l’idea di questo oggetto che si ispira al diffuso atteggiamento di servirsi del tappetino da bagno per muoversi a piccoli passi tra la vasca e il lavandino, tra la doccia e la camera la letto. Ho unito due tipologie solitamente separate come il tappetino in cotone e le ciabatte, per crearne una nuova che rivela in modo esplicito le nostre naturali abitudini.

Il “Golosimetro” È un’invitante cioccolata in cm...
le tacche di misura inibisce dal consumarla con esagerazione.

Noto che non hai un sito Internet o quanto meno non ci punti molto considerando che non sono riuscito a trovarlo. Qual è il tuo rapporto con i cosiddetti nuovi media? Hanno in qualche modo influenzato il tuo mestiere? È una mancanza di tempo, una scelta o non sei interessato a questo supporto?
Non ho ancora un sito Internet, ma è solo perchè vorrei farlo bene, e per farlo bene dovrei dedicargli un po’ di tempo, così rimando sempre.
Internet e la posta elettronica hanno estremamente semplificato le modalità di scambio dei documenti e delle immagini e quindi anche il modo di lavorare, basti pensare che solo fino a pochissimi anni fa le immagini si sviluppavano su pellicola e si inviavano con la posta tradizionale, con le difficoltà e i tempi che tutti ricordiamo.

Dove lavori quando sviluppi i tuoi progetti di design e che strumenti utilizzi?
Il posto ideale per lavorare e per riflettere con la necessaria tranquillità è  sicuramente il mio studio, perchè ci sono le condizioni ottimali di spazio e di silenzio. Comunque, molto spesso le idee migliori non nascono in studio, ma soprattutto visitando i luoghi della produzione, come i laboratori artigianali, le officine e le industrie. Qui gli stimoli per il progetto si moltiplicano. Osservare una macchina utensile mentre esegue una lavorazione o un artigiano che produce un manufatto vale quanto cento ore passate davanti al foglio bianco nel proprio studio.
Poi, a volte, le idee nascono nei momenti di distrazione, specie dopo aver passato una giornata a cercare una soluzione senza averla trovata. E allora capita di imbattersi nell’idea giusta mentre si passeggia o durante il dormiveglia della mattina, quando la dimensione del sogno si mescola con la realtà facendo riaffiorare le sensazioni e i pensieri del giorno prima.
Gli strumenti che utilizzo sono la matita per mettere già le prime idee e successivamente, alcuni dei soliti programmi di elaborazione delle immagini o di rendering.

Mentre lavori a un progetto sei solito chiedere consigli e pareri ad amici e colleghi?
Sì, quando lavoro su un progetto ho intensi scambi di pareri e di proposte con mio fratello Giuseppe che considero quasi il mio alter-ego. Come in una partita di ping pong , ci scambiamo le idee e ne discutiamo molto spesso per telefono ma anche per e-mail, dato che lui lavora a Venezia.
Solo quando il progetto si avvicina alla conclusione, per avere delle valutazioni più oggettive lo sottopongo a mia moglie o ad amici designer e non.

Quale dei tuoi progetti ti ha dato più soddisfazione?
A livello di emozioni, forse il mio primo progetto, il paravento in cartone ondulato che presentai come tesi finale all’Isia di Firenze. Appena diplomato ebbi la fortuna di vincere con questo paravento il concorso internazionale "Interieur 90" a Kortrijk in Belgio. Subito dopo, la soddisfazione di vederlo pubblicato prima su Modo e poi su Domus.
Per uno studente fresco di diploma rappresentava il massimo picco di felicità.

In questo periodo il Design Museum di Londra - per celebrare i suoi 25 anni - ha allestito un'esposizione chiamata 25/25 che raccoglie 25 oggetti di design degli ultimi 25 anni selezionati da una giuria d'eccezione. Se dovessi esprimere una tua preferenza, quali sono tre prodotti che rappresentano più di altri il tuo concetto di Design?
se devo scegliere tre progetti che mi emozionano e che quindi sento più vicino alla mia visione direi:
1°- La “Tree Trunk Bench” di Jurgen Bey perchè con un gesto minimo quanto potente, riesce a ricordarci il valore assoluto delle cose semplici.
2° La grattugia di Enzo Mari. perchè è riuscito nella difficilissima impresa di migliorare un archetipo.
3°"Football Tape - Il pallone di scotch" Football tape” di Martì Guixè perchè rappresenta un'intuizione intelligente che fa leva sulla memoria collettiva.

1 - Cosa significa per te creare?

Innanzitutto é una mia necessità. Sono per natura piuttosto introverso e mi riesce molto meglio comunicare con gli altri attraverso ciò che faccio piuttosto che affrontarli apertamente. Creare per me è una sorta di filtro protettivo che mi consente di partecipare al dibattito contemporaneo senza i vincoli e i problemi che molto spesso si creano tra le persone. Questo mi porta a lavorare in solitudine, ma in compenso anche ad avere una maggiore libertà di pensiero e di azione.
Creare poi, significa per me credere in un futuro migliore, avere la possibilità di raccontare storie attraverso gli oggetti, tentare di scardinare abitudini e atteggiamenti consolidati, scoprire i propri limiti, e soprattutto, regalare piccole emozioni un pò come fa l’attore con la platea. Ma vuol dire anche lavorare ventiquatto ore al giorno, soffrire finchè non si arriva a una soluzione convincente, cadere e rialzarsi cento, mille volte.

2 - Che significato ha oggi il design? Intendo il design legato all'attualità: quale è il ruolo del designer contemporaneo?

Il designer contemporaneo si deve confrontare più che negli anni passati, con la contraddizione di fondo del suo lavoro, da una parte lo spirito etico che lo anima, il tentativo di contribuire anche se in modo infinitesimale a migliorare il presente, dall’altra la chiara consapevolezza che i suoi oggetti si andranno comunque ad aggiungere alla già cospiqua mole di quelli esistenti con i relativi effetti sul nostro ecosistema già così compromesso.
Penso che oggi, come non mai, per superare questa dicotomia sia importante per il designer infondere nei suoi oggetti un forte valore comunicativo, cercare di parlare alle persone con il linguaggio della poesia, provocare emozioni. Oggi non basta più saper disegnare un oggetto di pura bellezza estetica, il prodotto industriale, deve prima di tutto condurre a riflettere.
Solo così, chi si occupa di design si può sentire parte attiva nel conseguimento di una realtà che più si avvicini ai nostri sogni.

3 - Salefino: genesi e obbiettivi

Salefino è il titolo di un libro curato da Joe Velluto, un gruppo di quattro giovani designers vicentini, in cui sono stati coinvolti, oltre al loro, altri tre studi di designers italiani tra cui Aroundesign alias Giulio Iachetti e Matteo Ragni, Lorenzo Damiani, ed io. Quattro realtà geograficamente lontane tra loro ma legate da una forte affinità elettiva.
La particolarità di questo volume sta nella sua interdisciplinarietà. Gli oggetti selezionati per la pubblicazione sono stati interpretati artisticamente dal fotografo Matteo Sandi. A loro volta gli scatti fotografici sono stati manipolati da interventi grafici degli stessi Joe Velluto. Il risultato é un libro inconsueto, in cui industrial design, graphic-design e fotografia convivono appassionatamente, mantenendosi volutamente al di fuori dai canoni ai quali ci hanno abituato le numerose pubblicazioni di settore in questi ultimi anni.

4 - Trasformazione. Che tipo di scelta realizzi sui materiali, che tipo di influenza ha sul tuo lavoro l'oggetto recuperato e rivisitato?

Il linea di massima preferisco utilizzare i materiali tecnologicamente “poveri” come il vetro, il legno, l’acciaio, i tessuti, la ceramica, le pietre. Inoltre, nei limiti del possibile, cerco di progettare oggetti monomaterici perchè costano meno e sono più facilmente riciclabili.
Per quanto riguarda l’influenza dell’oggetto rivisitato, posso dire di aver lavorato molto in questa direzione, fin dai primi anni novanta in cui ho dedicato molti mesi nel tentativo di coinvolgere le aziende affinchè prendessero coscienza delle enormi quantità di semilavorati di scarto che quotidianamente producevano e che poi abbandonavano nelle discariche. In quel periodo ho progettato diversi oggetti che utilizzavano esclusivamente semilavorati di scarto con lo scopo di dimostrare che anche un umilissimo pezzo di scarto può racchiudere in sé grandi potenzialità e che, se osservato con occhi più attenti, può ancora sorprenderci. Poi nel corso degli anni ho cercato di affinare questo linguaggio e di riproporre gli stessi concetti sotto altre forme. Sono nate così nuovi progetti che prevedevano anche l’utilizzo di oggetti già in produzione, come le bottiglie in plastica, i barattoli per le conserve, le cuffie in silicone da piscina ecc.ecc. alcuni dei quali si sono poi trasformati in reali prodotti.
Credo molto alla forza evocatrice degli oggetti, soprattutto in quest’epoca dove tutto viene consumato, eliminato e rimpiazzato con una facilità a dir poco disarmante e dove tutti noi stiamo velocemente perdendo il senso del valore delle cose.

Potresti parlarmi del tuo rapporto con l'industria, ovvero, che opportunità
offre oggi l'industria a designer di valore che però non hanno ancora
un nome noto internazionalmente?

Per quello che é la mia personale esperienza, posso dire che le opportunità per chi non è conosciuto, non sono molte, e quando ci sono, le probabilità che il progetto arrivi a trasformarsi in prodotto sono piuttosto scarse. Tutto stà nel trovare l'azienda giusta, che creda nelle tue capacità e che soprattutto sappia instaurare con il progettista un rapporto paritario di dialogo, dove sussista una complice passione per la ricerca e che ci sia quindi la volontà di intraprendere un percorso comune senza troppe certezze.

Sei stato tra i partecipanti di Design alla coop, un'interessante iniziativa che mira a far entrare il buon design nella grande distribuzione. Vuoi parlarmi di questa esperienza?

Non posso che essere grato a Giulio Iachetti che è riuscito a raccogliere intorno a sè un gruppo di giovani designers italiani, tentando con grande caparbietà di portare il buon progetto negli scaffali dei supermarket Coop.
Quando due anni fa ci incontrammo per la prima volta tutti insieme alla Triennale di Milano non avevamo ancora focalizzato esattamente l’obbiettivo finale, in tutti però, era palpabile una forte volontà di progettare per la vita di tutti i giorni e non per la solita ristretta cerchia di appassionati del design. Ci piaceva l'idea di poter riportare il progetto su quelli che erano gli intenti originari di questa disciplina.
Da qui al decidere di fare qualcosa per la grande distribuzione il passo è stato breve.
Ci siamo messi a lavoro e successivamente ci siamo incontrati più volte, con umiltà, ognuno per raccontare le proprie idee, per consigliare e farsi consigliare. Una fantastica esperienza anche a livello umano che ha dato vita a una ventina di ottimi progetti, molti dei quali già pronti per affrontare la sfida della grande produzione.

Design alla coop mi sembra un tentativo di rendere democratico il design
sulla scorta di quanto già il Bauhaus propagandava. Purtroppo però le finalità di questo movimento si sono rivelate con il tempo fallimentari. Oggi il mondo del design a me pare un universo molto fashion and chic oriented (non tutto magari ma la gran parte!). Gli oggetti di design raggiungono prezzi molto alti e quella democratizzazione auspicata mi sembra ancora molto lontana? Mi piacerebbe sapere il tuo parere al riguardo?

La mia scelta di progettare per Coop è nata proprio dall’esigenza di ritrovare un contatto con la vita reale delle persone, con il quotidiano. Ho sempre pensato che progettare dovesse servire a questo, a donare a più persone possibile dei buoni oggetti per cercare di migliorare la loro vita quotidiana. Purtroppo il mondo del design sta andando in tutt’altra direzione. Oggi dettano legge le tendenze e si vende bene tutto ciò che in esse rientra. Basti pensare al mondo dell’arredo da bagno, non c’é più un designer che si occupa di progettare una vasca da bagno che non pesi meno di una tonnellata in pietra scavata a mano. Una famiglia a basso reddito, se vuole una nuova vasca da bagno dovrà accontentarsi del solito modello standard in fiberglass non disegnato, magari prodotto in oriente.

Cosa ne pensi del fatto che oggi il design ricerchi sempre più sinergie
con il mondo della moda?

Penso che dipenda dal fatto che il mercato del design ha subìto negli ultimi anni un’accelerazione esponenziale che obbliga le aziende a produrre novità sempre più velocemente. Oggi gli oggetti di design ( eccetto poche eccezioni) hanno una vita breve, brevissima, vengono bruciati nel giro di poche stagioni, sono diventati effimeri quasi quanto un capo di moda. E’ in questo senso che, secondo me, il design si avvicina alla moda. Fondamentalmente però restano due discipline distinte, per il fatto che storicamente nascono da presupposti ed esigenze diverse: l’obiettivo, o meglio l’utopia del designer di oggetti è progettare qualcosa che si avvicini il più possibile all’eterno, un pò come lo sono le sedute di Charls e Ray Eames o quelle di Arne Jacobsen. Il designer dell’abito, al contrario, sa a priori che la sua sarà una creazione effimera, potrà forse entrare nei musei, ma non potrà superare la stagione di vita sul mercato.
Credo che il rapporto tra moda e design possa essere paragonato più a uno scambio interdisciplinare piuttosto che a un vero e proprio connubio.

Qual è il tuo rapporto con i grandi maestri del design?

Ho un debito particolare con Achille Castiglioni che ritengo il più grande (e il più simpatico) designer italiano. Ho ammirato fin dai tempi della scuola le sue invenzioni cariche di ironia e intelligenza sul tema del ready-made come la lampada “Toio” piuttosto che le sedute “Mezzadro” o “Sella”, capolavori assoluti.
Ho poi una grande ammirazione per tutto il lavoro di Enzo Mari, in particolare per alcuni oggetti realizzati tra gli anni sessanta e settanta caratterizzati da una meticolosa ricerca sui giunti di unione fra le parti, come la scatola “flores” o il contenitore”Java” per Danese.

Come giudichi invece le nuove generazioni di designers?

I giovani progettisti oggi si trovano a operare in una situazione più complessa rispetto ai loro maestri del passato. Le scuole in cui si insegna industrial design si sono moltiplicate, come pure i neolaureati in questa disiplina, di conseguenza emergere diventa sempre più difficile. Ciò nonostante, i giovani con grandi capacità e molto motivati ci sono. C'é da dire che oggi, c’é una maggiore propensione a indagare in ambiti lasciati ancora scoperti dal progetto e questo porta spesso a ipotizzare oggetti tipologicamente “fuori” dai canoni abitualmente proposti dai magazine di settore. Ne consegue che quei giovani progettisti, portatori di nuova linfa vitale, autori di esemplari ricerche progettuali, riescono solo con grandi difficoltà a comunicare il loro talento.

Come definiresti il tuo stile progettuale e quali sono le finalità che in
genere ti prefiggi di raggiungere quando pensi ad un oggetto?

Non penso di avere uno stile progettuale, per me é prioritaro elaborare un concetto portante, un pensiero che sento l'esigenza di comunicare. Non cerco mai di forzare il progetto su dei binari predeterminati, preferisco assecondare la naturale vocazione di quel concetto, un po' come fa la levatrice con il bambino che sta per nascere.
Ogni progetto ha una sua storia, spesso, nasce dall’osservare con curiosità gli aspetti più ordinari della nostra esistenza come è successo con il tavolino Cabriolet per Fontana Arte o per il tappetino Mat Walk per Droog Design, in cui una gestualità viene assecondata e istituzionalizzata con il progetto. Altre volte nasce da una presa di posizione verso alcuni aspetti del sociale, come nella cartolina “Watercard”, un personale atto di protesta dopo aver letto sul giornale dei molti eventi mediatici organizzati per raccogliere fondi per i paesi più poveri che vedevano disperdere il ricavato in mille passaggi di mano al punto che il fine iniziale veniva disatteso.